Magritte e o poder subversivo de seu cachimbo


Alguns pensam que esta misteriosa pintura de Magritte é o início da arte moderna. Isso inspira muitas outras questões do que você pensa, escreve Cath Pound.

A Traição de Imagens de René Magritte (This is Not a Pipe) é uma das obras mais enigmáticas, ainda mais persistentes, da história da arte. Uma das séries de imagens de imagens de imagens em que o artista belga buscava desafiar as convenções linguísticas e visuais, também fazia parte de sua missão vital para mostrar que as imagens poderiam ser iguais às palavras na expressão da consciência.

Fazer perguntas filosóficas há muito tempo foi o objetivo de Magritte

A pintura icônica está retornando ao seu país de origem pela primeira vez em 45 anos, como parte de uma grande exposição nos Royal Museums of Fine Arts da Bélgica, examinando a influência de Magritte sobre artistas contemporâneos de Jasper Johns para Gavin Turk, dando-nos uma nova oportunidade para tentar definir o indefinível.

"Esta palavra que pronunciamos 'pipe' é esse objeto na realidade, não no papel, e a idéia de Magritte é mostrar que não tem nada a ver com a realidade, é apenas uma convenção", diz Michel Draguet, curador de A exibição. Embora seja fácil entender uma imagem de um tubo não é um tubo real, Draguet explica que "o verdadeiro problema com o trabalho é que você deve dar uma nova definição ao produto, além de sua própria definição".

Fazendo perguntas filosóficas, ao invés de dar respostas históricas da arte, há muito foi o objetivo da Magritte. Embora ele tenha começado a pintar aos 12 anos e experimentado com o Cubismo e o Futurismo, Magritte logo se cansou de pintar como um fim em si mesmo e não gostou de ser chamado de artista, considerando-se um pensador que se comunicava através da pintura. Bem versado na história da filosofia, ele sabia que, de Platão para Hegel, a representação figurativa havia sido descartada como uma confusão dos sentidos e da poesia considerada a forma mais elevada de expressão humana.

Magritte acreditava que uma imagem era tão capaz de expressar o pensamento como a poesia

O surrealismo, o movimento ao qual Magritte se alinharia, iniciou a vida como um movimento em grande parte literário, e seus fundadores eram igualmente céticos sobre o valor da pintura. Foi apenas com a descoberta das obras metafísicas de Giorgio De Chirico, através das quais Magritte afirmou ter descoberto "a ascensão da poesia sobre a pintura", que eles - e ele - mudaram de ideia.

Em seu famoso ensaio sobre The Treachery of Images, o filósofo Michel Foucault refere-se à obra de arte como um "calligram desenrolado", um calligram sendo uma imagem formada pelas palavras que o descrevem, que Magritte "desvendou" separando a imagem do texto.

Embora Magritte discordasse dessa definição, ele certamente acreditava que uma imagem era tão capaz de expressar o pensamento quanto a poesia. Como diz Draguet, para a poesia de Magritte estava "além da palavra; algo mais profundo do que a palavra ".

Real ou não real?

Sua decisão de pintar um cano para enfatizar este ponto pode muito bem ter diminuído o fato de que, pouco antes de Magritte começar a trabalhar em The Tragaming of Images, André Breton e Paul Éluard, dois dos principais personagens do Surrealismo, publicaram Notas sobre Poesia em La Révolution Surréaliste, em que declararam que "a poesia é uma tubulação".

A declaração de Magritte de que "isso não é um tubo" pode ser vista como uma afirmação de que é algo diferente, mas igualmente válido. Embora também devamos ter em mente que o título original da pintura era o uso da voz I (O uso da fala I), o que implica que devemos questionar a veracidade das palavras e não a imagem.

A aparente ambivalência de Magritte a uma mudança dramática de ênfase pode parecer estranha, mas, como o colega Paul Nougé apreciou, os títulos de Magritte eram sempre uma "mercadoria para discussão" e "não explicações". Ele entendeu que a resposta de um indivíduo a uma imagem seria sempre dependente de suas experiências pessoais e compreensão do objeto.

A natureza indefinível das pinturas de Magritte significava que elas se tornariam uma fonte particularmente inspiradora e fecunda de inspiração para artistas mais jovens. "Se você tem respostas, você é obrigado a seguir a mesma direção", diz Draguet. "Se você faz perguntas, pode fazer a pergunta e começar de novo".

No entanto, apesar de Magritte ter pintado The Treachery of Images para um show em Paris em 1929, o colapso do mercado de ações nesse ano significou que muitas galerias fecharam, e não foi até uma exposição de 1954 na Sidney Janis Gallery, em Nova York, que seu trabalho começou a atrair a atenção entre uma nova geração de artistas, incluindo Andy Warhol, Paul Rauschenberg e Jasper Johns.

Para Johns, conhecido por retratar objetos cotidianos, como números, alvos e bandeiras de maneiras inesperadas, a exposição "realmente fez uma impressão", de acordo com a historiadora de arte Roberta Bernstein, autora do Catálogo Raisonné de seu trabalho. "Eu acho que foi uma das coisas que estava se preparando na mente antes de pintar sua primeira bandeira", diz ela.

"Conceitualmente, a ideia de Magritte dizer" isso não é um cachimbo, é uma imagem "é fundamental para entender a bandeira de Johns", ela acrescenta, embora Johns torça a questão para que ela se torne ", é uma bandeira ou é uma imagem?"

Ela acredita que ele também teve um impacto sobre Rauschenberg e "o fato de que ambos começaram a colecionar seu trabalho quando pudessem pagar isso é um reforço disso".

Rauschenberg sempre negou o link, mas viu sua série Bellini, uma coleção de colagens Pop Art de figuras renascentistas, ao lado do Bouquet Ready-Made de Magritte, no qual o Primavera de Boticelli é arbitrariamente colocado na parte traseira de um homem com chapéu de jogador, ele é difícil acreditar que não houve alguma influência.

Claes Oldenburg também se inspiraria no trabalho de Magritte. As origens de seus objetos anormalmente ampliados podem ser rastreados até os Valores Pessoais de Magritte, em que Magritte coloca objetos desproporcionais em um quarto cuja parede é um céu pintado. No entanto, Magritte não queria ver-se como um precursor do Pop Art, um movimento que ele se sentia sacrificado demais para os caprichos da moda. Segundo Draguet, Magritte era geralmente ambivalente aos desenvolvimentos contemporâneos na arte. A notável exceção foi o seu colega belga Marcel Broodthaers: seu "filho espiritual", como diz Draguet, com quem ele compartilhou uma estreita afinidade.

Os dois se encontraram após a Segunda Guerra Mundial e se uniram sobre uma apreciação mútua do poeta Mallarmé, cujas teorias sobre a representação eram próximas. Embora Broodthaers tivesse começado a vida como poeta, ele se voltou para as artes visuais em 1964, criando seu primeiro trabalho incorporando cópias não vendidas de sua coleção de poesia, Pense-Bête, em gesso. Ele tomou o jogo de Magritte em palavras para um nível diferente, encrustando seu Pupitre de música com conchas de mexilhão, explorando a diferença de significado da palavra francesa moule dependendo do gênero, para questionar a definição de arte e o mercado de arte.

Broodthaers encontrou uma fonte particular de inspiração em The Treachery of Images, que ele considerou o ponto de partida para a arte moderna, e os tubos apresentam freqüentemente em seu trabalho. Possivelmente, foi o interesse de Broodthaers que causou que Magritte voltasse a imaginar a pintura em várias ocasiões, criando cachimbos de fumo e até mesmo declarando que "isso continua a não ser um cachimbo". Mas se esperamos encontrar esclarecimentos a partir dessas versões posteriores, logo fica claro que podemos também tentar tirar o tubo da tela e fumar. Continua a ser um enigma.

20 de outubro de 2020

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