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Patrick Heron, abstração de pensamentos, vida, amor e liberdade

25/05/2018

Os resumos gigantes de Patrick Heron podem fazer você desmaiar - se a organização temática da exposição não fosse tão furiosa

 

Foto - Cádmio com violeta, escarlate, esmeralda, limão e veneziano: 1969 por Patrick Heron. Foto: © Propriedade de Patrick Heron. Todos os direitos reservados, DACS 2018

 

A pintura “Cádmio” de Patrick Heron com “Violeta, Escarlate, Esmeralda, Limão e Venetian”: 1969 tem sobre o título mais prosaico e desajeitado de qualquer obra de arte que eu conheço, diz a colunista Rachel Cooke do The Guardian: diga em voz alta, e seu pedantismo e precisão soam quase cômicos.

Mas estar diante dele - todos os mais ou menos 80 metros quadrados - é experimentar um poderoso sentimento de exaltação. Esta é uma pintura que parece tão absolutamente certa, caindo sobre o visitante fascinado, para encostar em Philip Larkin. Suas cores, suas formas, sua escala: que incrível alegria e calor essas coisas despertam.

De longe, eu olhei para ela, e pensei em algo que eu gostava de fazer quando criança, que era deitar no chão com um sol quente, e fechar os olhos, e esperar por padrões de redemoinho de rosa e ouro aparecerem no interior das minhas pálpebras. De repente, por um momento fugaz, eu era aquela criança novamente.

Mas tem mais, fique bem para trás, e os grandes trabalhos de Heron no meio do período, pintados no final dos anos 60 e início dos 70, têm uma sensação de bloco, o óleo parece tão bem aplicado, você imagina o que ele usou, que tipo de aerógrafo. Aproxime-se, porém, e o chão se desloca sob seus pés. Por incrível que pareça, essas enormes telas foram pintadas de ponta a ponta com pequenos pincéis de aquarela japoneses, e uma vez a alguns centímetros de distância, tudo parece mais rude e ainda mais bonito: aqui estão os padrões, uma delicadeza em quase total contraste com o efeito geral da pintura. As duas coisas funcionam juntas? Heron certamente acreditava que eles funcionavam juntas. "Não se pinta à mão pelo bem feito", disse ele. "Só se sabe que as superfícies trabalhadas dessa maneira podem na verdade, devem registrar uma nuance diferente de evocação e movimento espacial em cada milímetro quadrado."

Esta pintura extraordinária, e várias outras da mesma época, formam o coração de uma grande exposição do trabalho de Heron na Tate St Ives. É fácil entender por que a Tate quis mostrar Heron (1920-1999) aqui, no primeiro verão de sua nova galeria, deste ano. Não só o artista viveu e trabalhou por mais de 40 anos em uma casa chamada Eagles Nest, nas proximidades, na península ocidental de Penwith; o maior e mais colorido de suas telas é extraordinariamente adequado a esses espaços semelhantes a hangares - efetivamente esculpidos na encosta atrás das salas originais da galeria, eles são ambos vastos e maravilhosamente leves - onde os melhores parecem flutuar como planetas gloriosos em um sistema solar concreto. A abordagem dos curadores ao trabalho de Heron, no entanto, é uma coisa menos fácil de explicar. Eu devo ser honesta: acho isso extremamente exasperante.

 

Foto - Patrick Heron em seu estúdio no ninho das águias em Cornualha c1968. Foto: Mark Trompeteler / Cortesia da propriedade de Patrick Heron 2018

 

Andrew Wilson, curador sênior da Tate Britain, e Sara Matson, curadora da Tate St Ives, adotaram uma abordagem não cronológica, reunindo o trabalho de Heron em quatro grupos propositadamente vagos e difíceis de entender: unidade; A beira; escala explícita; assimetria e re-complicação. A ideia é mostrar que a abordagem da pintura do artista ao longo de sua vida foi “totalmente consistente”, do trabalho figurativo que ele produziu na década de 1940 através de sua abstração em 1956 e além (seu trabalho posterior, que nem sempre me parece ser inteiramente bem-sucedido, preocupa-se muito com a marcação de marcas e paira num espaço liminar entre a abstração e a figuração - mesmo que Heron, que não gostava de tais distinções, sem dúvida não o tivesse visto assim. Eles também esperam que, ao pendurarem quadros que foram completados com décadas de intervalo, um ao lado do outro, os visitantes poderão “experimentar” o trabalho de Heron de uma maneira “não didática”.

Os especialistas estão com medo, em nosso clima atual, de parecer especialistas demais? Possivelmente. Ou talvez eles realmente acreditem que esta é a maneira de aprender sobre Heron. Se assim for, acho que eles estão errados. As pessoas são perfeitamente capazes de aprender sobre um artista e entregar-se ao seu talento; isso, na verdade, é o que a maioria de nós anseia ativamente quando visitamos uma galeria.

Podemos nos lembrar de uma pintura de, digamos, 1943, pelos 20 minutos que pode nos levar a montar em uma obra feita em 1996, por isso somos capazes de detectar certas convicções e repetições por parte do artista por conta própria. Uma exposição cronológica teria sido muito melhor e mais fácil de entender, revelando tanto Heron, o filho de um fabricante de sedas, desenvolvido nos anos após ele ter deixado o Slade, quanto a consistência formal com a qual ele estava tão comprometido. Como é, é uma confusão, seu foco obscuro, sua motivação paternalista.

 

Foto - O piano (1943) por Patrick Heron. Foto: © Propriedade de Patrick Heron. Todos os direitos reservados, DACS 2018

 

Ainda assim, deixe de lado sua frustração, há maravilhas por aí. O primeiro trabalho é The Piano (1943), um pequeno óleo sobre papel que mostra uma janela, um piano de cauda e vários objetos equilibrados sobre ele. De certa forma, é perfeitamente comum: muitos artistas estavam trabalhando desta forma.

Mas vem com uma brisa de Bloomsbury que lembra a outra vocação secundária de Heron como escritor sobre arte na tradição de Roger Fry. E enfatiza o fato, inteiramente perdido aqui, de que quando Heron e os gostos de Victor Pasmore entraram na abstração nos anos 50, era realmente um drama do mundo da arte, por tudo o que parecia ser tão perfeito, uma coisa totalmente natural. Neste contexto, a “véspera de Natal” (1951) aparece como uma espécie de ponte entre os dois modos. Aqui está um quarto frenético, cheio de fúria, todas as crianças e velas, só você tem que olhar para vê-lo, e suas cores têm a ver com o verão e não com o inverno.

As primeiras aventuras da Heron na abstração têm uma sensação experimental, como se ele estivesse trabalhando em algo. "A razão pela qual as listras eram suficientes", disse ele de Green e Mauve Horizontals: janeiro de 1958, "era precisamente que elas eram muito simples como formas". Muito mais emocionante para mim é Camellia Garden: março de 1956, uma paisagem manchada que sugere poderosamente uma abundância de pétalas vermelhas e pálidas de prímula, você está meio tentado a cheirar o ar. Depois disso, no entanto, um grande salto à frente (novamente, nem ele nem os curadores veem assim). Ele tem a ousadia dos grandes americanos (Pollock, De Kooning), mas seu rosto está voltado resolutamente para a França (aqui, acima de tudo, é Matisse). Impossível não ficar um pouco desmazelado na presença de “Square Green com Orange, Violet and Lemon”: 1969 e “Complex Greens, Reds e Orange”: julho de 1976 - janeiro de 1977 com seus padrões fascinantes, suas justaposições de cor quase violentas. Dê-lhes tempo, e eles parecem quase cantarolar, suas boas vibrações enchendo-o de modo bem-aventurado com pensamentos de vida, amor e liberdade.

 

Foto - Quadrado Verde Com Laranja, Violeta e Limão: 1969 por Patrick Heron. Foto: © Propriedade de Patrick Heron. Todos os direitos reservados, DACS 2018

 

 

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