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Expressionismo abstrato, um evento colossal

02/12/2017

Algo desconcertante é o autorretrato de Mark Rothko. O artista desses velos numéricos de cor, seus objetivos (e sua retórica) tão transcendente, acabam por ser uma grande alça em uma jaqueta marrom que não pode desenhar a mão da pintura e apertar a boca. Ele está usando óculos tingidos.

Rothko, junto com seus colegas Adolph Gottlieb e Barnett Newman, é responsável pela expressão permanente do expressionismo abstrato. "O assunto é crucial, e apenas esse assunto é válido, o que é trágico e intemporal". Este assunto - pintado de grande e pintado, simples ou, segundo eles, era tanto sobre a condição humana como qualquer auto-retrato figurativo. Que alguns de seus colegas possam estar mais interessados em paisagens, cores ou - Deus não permite - mulheres nuas, é apenas uma das inúmeras formas pelas quais essa afirmação não consegue unir, de modo algum, a mais disparatada de todas as revoluções artísticas. E assim é com este show.

É um evento colossal, com certeza: o nosso primeiro show principal de ab ex em mais de 50 anos, com 163 obras de quatro décadas, incluindo esculturas, fotografias e estampas. As pinturas ficam maiores com cada quarto, dos frisos minúsculos e contorcidos de Jackson Pollock da década de 1930 ao volumoso Rothko atrasado e a todo um cânion de pinturas montanhosas de Clyfford Still, cujos trabalhos são notoriamente difíceis de emprestar.

As devastadoras corcundas pretas da Elegy de Robert Motherwell para as pinturas da República espanhola em março - seu poder não diminuído, impressionante, mesmo quando repreendido como uma pena de impressão - pena que atravessa a procissão fúnebre. Os magníficos pólos azuis de Jackson Pollock (1952), embarcados da Austrália, inclinam-se como mastros em um mar maníaco de energia e cor. A Lagoa das Trevas de Willem de Kooning brilha com segredos negros, e os seus deliciosos nus cor-de-rosa se estendem sedutoramente no crepúsculo dourado. É emocionante olhar para essas obras.

E é maravilhoso, também, ir da galeria inicial de auto-retratos direto para os biomorphs abstratos da dança de Arshile Gorky ao lado. Do Museu Metropolitano em Nova York vem a sua gloriosa Água do Moinho Florido, com suas profundidades de ruído e liquidez erótica. À sua volta, as formas que voam como folhas na brisa, linhas que pululam entre os flocos floridos da cor, é um grupo de pinturas que permitem contemplar a fonte evasiva de alegria na arte de Gorki, presente mesmo quando os títulos indicam a escuridão. De Kooning disse uma vez que era algo bonito na atmosfera de suas pinturas, e assim parece misteriosamente.

A De Kooning é sutilmente introduzido entre os Gorkys para indicar a influência do armênio sobre o holandês - muitos da escola de Nova York, como também eram conhecidos, não eram americanos. Quando você chegar à galeria requintada De Kooning mais tarde, você se lembrará das lindas linhas de lança de Gorki.

As pinturas abstratas perdem a força da personalidade quando amarradas como lavar uma linha

Até agora, tão promissor: uma sucessão de shows individuais condensados ​​de grandes artistas de longa data em museus britânicos (alguns, como Joan Mitchell e Ad Reinhardt, mal mostrados aqui). Mas este sonho se dissolve quase que imediatamente. Há quartos temáticos inábeis em gesto e cor em que quadros de artistas sem afinidades naturais são exibidos como exemplos de slides. Há grupos desastrosos, para não dizer desagradáveis ​​- Gottlieb, Reinhardt e Newman, agrupados pela composição geométrica, como se os retângulos planos fossem seu sujeito intemporal - e as linhas de visão que diminuíam os pintores.

É bom, por exemplo, ver as pinturas de neve e trovão de Franz Kline, com seus marcadores pretos ferozes; exceto que a visão aberta para Motherwell faz Kline parecer um discípulo fraco (o qual ele não era). As nuvens de cores de Philip Guston - certamente impressionismo abstrato - são tão líricas e gentis que eles fazem um início Joan Mitchell olhar mais de uma tortura, fortemente esfregada na tela.

Isso é redimido muito mais tarde com um magnífico friso de Mitchell que mantém a memória do verão em seus ouro, brancos e verdes: um ato de equilíbrio eufórico em que o primeiro plano e o fundo são mantidos em igual tensão. Você está olhando, ou através de, cor?

Esta é a arte avançada da América nos anos 1940 e 50 - sem ligação, livre de ilusão, definição, as restrições da tela, os laços da terra, até mesmo, se você ouvir os enunciados esotéricos de Newman ou Rothko. Rothko pode cuidar de si mesmo, e de fato recebe uma quase capela própria na rotunda da RA. Mas Newman está persistentemente dificultado. Sua arte pede que você veja as pinturas de novas maneiras, literalmente, no caso de um monumento tão alto como Ulysses, criando alto na parede acima de você com suas cores oceânicas e seu fecho fino, brilhante que divide a luz da escuridão, ou a terra do mar. Qualquer sensação de infinito é comprometida pelas pinturas que se aglomeram ao redor. E Reinhardt está na parede oposta, seus resumos geométricos quase subliminares em sua sutileza de tom, suas superfícies tão delicadas e pensativas. A arte não é um concurso; Reinhardt não deveria derrubar Newman da parede.

O valor deste show reside na oportunidade de ver uma arte tão maravilhosamente bela, possivelmente pela primeira vez - os movimentos, gotejamentos e vertigos, os véus, as listras e os zips, os oblongos incandescentes e os jardins pendurados, o rígido móvel de pinceladas. Qualquer um preparado para fazer o esforço pode quase deduzir esta experiência intermitentemente na multidão. Mas as pinturas abstratas perdem sua força de personalidade quando amarradas como lavagem em uma linha, cada tela desativando a próxima, e isso é o que acontece com Clyfford Still.

As pinturas escalam montanhas, seus olhos dimensionam as pinturas: imensas falésias de pintura escarpada, perfuradas por rachaduras de cabelo e fissuras relâmpago. Eles devem inspirar e dominar. Mas tantos juntos e essas pinturas perdem seu incrível poder de isolamento.

Você dificilmente pensaria que a sala Pollock poderia falhar, mas sim. Existem algumas obras que levam luz como a fosforescência em suas madeixas, mas outras se sentem como repetições turgentes. A inclusão de The Eye, o primeiro círculo de Lee Krasner, não faz favores a todos. É indubitavelmente uma de suas obras mais famosas, mas esta pintura de cor de esterco de 1960 parece uma repetição muito tardia de Pollock, empurrando-a diretamente para o show Homem e Esposa de 1949, onde ela foi "descoberta" pela primeira vez como a esposa de Pollock.

Nunca houve - e nunca haverá - qualquer consentimento geral sobre exatamente quem eram os expressionistas abstratos e como eles estavam conectados. Cliche associa-os, coletivamente, com álcool, divórcio, depressão e suicídio; com um sentido fatídico de missão e trabalho heróico que nem sempre equivale a suas vidas como seres sociais, irascíveis e martelados na Cedar Tavern de Greenwich Village.

Este show certamente evita tudo o que é importante, e procura expandir o círculo padrão. Mas qualquer seleção que inclua uma construção de madeira severa por Louise Nevelson, estacionada como uma estante de livros contra a parede, e uma das tragicomedias do tipo Guston, que é tarde e grande, não é apenas tendenciosa, mas contra-intuitiva, estendendo-se em muitas direções. Alguns podem argumentar que é bom ver esse contexto de contexto mais amplo e muitos mais dos trabalhos menores também. Mas não posso concordar: preferiria a pura corrida de alegria que vem com o maior expressionismo abstrato.

 

 

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