Alina Szapocznikow transformou os corpos das mulheres em sobremesa


Em 1970, a artista polonesa Alina Szapocznikov colocou os moldes de seios femininos em belas taças de vidro feitas para sorvete. Em um prato usado para servir doces, ela colocou um par de lábios moldados. As partes escultural do corpo brilhavam; suas superfícies de pêssego e orifícios semi-abertos praticamente gritaram "venha para cá". Provocando, ela apelidou a série de "Sobremesa".

Szapocznikow não se descreveu como um artista feminista - de fato, o termo não surgiu até o final de sua carreira, no final da década de 1960. Mas, como qualquer estudioso contemporâneo de seu trabalho reconhecerá, ela incorporou corajosamente questões de gênero em suas esculturas bulbosas, sensuais e com cicatrizes. Ao fragmentar e reconstituir a forma feminina inúmeras vezes ao longo de sua carreira, o artista construiu um retrato visceral da mercantilização e do trauma que os corpos das mulheres suportaram durante o século XX. No processo, ela ajudou a reformular a tradição escultural moderna.

É somente nos últimos 10 anos, no entanto, que o impacto do trabalho de Szapocznikow foi reconhecido a nível internacional. Enquanto ela era uma estrela da cena artística de Varsóvia já na década de 1950, suas esculturas raramente eram expostas além das fronteiras da Polônia até 2007, mais de 30 anos após sua morte, quando foi apresentada na Documenta 12.

Desde então, uma retrospectiva póstuma de seu trabalho viajou entre WIELS em Bruxelas, o Hammer Museum em Los Angeles e o Wexner Center em Columbus, culminando no MoMA em Nova York em 2013. (Em um catálogo que acompanhou a exposição, sua prática foi em comparação com Louise Bourgeois, Eva Hesse e Paul Thek.)

Este outono, em outro passo para reconhecer a influência de Szapocznikow, o trabalho do artista está em exibição em sua primeira retrospectiva U.K., "Paisagens humanas", no Hepworth Wakefield, em Yorkshire. A exposição traça o arco de sua carreira através de várias fases de suas esculturas corpóreas de formas, que capturam experiências e emoções humanas: mais notavelmente, sofrimento, sexualidade e resiliência.

"Meu gesto é dirigido ao corpo humano", escreveu em 1972. "Quero exaltar o efêmero nas dobras do nosso corpo, nos vestígios de nossa passagem".

Szapocznikow nasceu de uma família judaica em Kalisz, na Polônia, em 1926. Os primeiros anos deles foram pontuados por uma série de eventos traumáticos e educação artística intermitente. Após a Segunda Guerra Mundial, em 1940, ela e sua família foram enviadas para o gueto Pabianice, e se mudaram entre uma série de campos de internação adicionais até o fim da guerra. Durante esse período, ela frequentemente ajudou sua mãe, um pediatra, nas enfermarias dos guetos.

Em 1944, com um grupo de prisioneiros liberados, Szapocznikow abriu caminho para Praga e logo se instalou na comunidade criativa da cidade, tendo aulas na Escola Superior de Artes e Indústria. Continuou sua escolaridade na École Nationale Supérieure des Beaux-Arts em Paris, em 1948, mas um ataque de tuberculose forçou o jovem artista a abandonar seus estudos e a retornar à Polônia.

Lá, o partido comunista começou a assumir o controle do governo do país - no passo, a arte sendo feita foi restrita àquilo que apoiava o regime. Mesmo assim, Szapocznikow começou a experimentar a figuração que não se encaixava perfeitamente nos limites da arte sancionada pelo Estado. Na escultura de bronze Exhumed (1955), ela retratou o ativista húngaro László Rajk, que foi assassinado enquanto lutava por um grupo antiestalinista. A forma esticada e agonizada, como disse o falecido conservador Urszula Czartoryska, foi uma homenagem a Rajk e "todas as vítimas, incluindo os insurgentes, cujos restos foram muitas vezes desenterrados durante a restauração de Varsóvia".

Um trabalho do ano seguinte, Difícil Idade (1956), mostra uma mulher de bronze e nua, ereto e resoluta, como se comandasse um lugar entre as esculturas de heróis militares masculinos que foram encomendadas pelo governo. Em seu ensaio "Soft Body / Soft Sculpture: The Gendered Surrealism of Alina Szapocznikow", a curadora Cornelia Butler descreve a peça como um "desafio às noções comunistas de privacidade e do corpo feminino".

À medida que o controle do comunismo sobre o governo polonês enfraqueceu, o trabalho de Szapocznikow tornou-se cada vez mais experimental, tanto na forma como no conteúdo. Ela começou a trabalhar com cerâmica, depois com materiais novos como poliuretano e resina de gesso. Um avanço veio em 1962, quando ela fez seus primeiros moldes de seu próprio corpo. No início da década de 1960, a Polônia, isso era considerado um ato radical para um artista - especialmente uma mulher.

Em uma carta, ela mais tarde reconheceu a audácia de suas ações. "Assombrada pela natureza cada vez mais acadêmica da arte abstrata e, ao mesmo tempo, em parte por meu espírito de contradição e, em parte, talvez por algum exibicionismo artístico, fiz um elenco de minha própria perna e uma assembléia de moldes da minha cara, " ela escreveu.

Não foi até três anos depois, em 1965, que o artista francês César, um contemporâneo de Szapocznikow, criou o seu famoso Thumb (1965), uma escultura de 16 polegadas que ficou muito erecta e, sem querer, parecia um falo mais do que um dedo. A semelhança entre seu "membro" escultural e o seu próprio não foi perdida em Szapocznikow, como Butler apontou; Ela mencionou Thumb na mesma carta.

Por este ponto, ela se mudou de volta para Paris e caiu com o círculo de artistas de César, conhecido como Nouveau Réalistes. Enquanto o campeão do movimento, o crítico Pierre Restany, era um amigo e apoiador de Szapocznikow, nunca foi formalmente aceito como membro do grupo (que incluiu apenas uma artista feminina, Niki de Saint Phalle).

Foi por volta desta época que Szapocznikow começou a moldar partes do corpo em resina e conectá-las a lâmpadas, transformando-as em objetos domésticos, como lâmpadas de mesa. Pegue Sein illuminée (Peito Iluminado) (1966), no qual um peito escultural se destaca por uma longa e espessa base. Talvez a sua escultura mais famosa, Iluminowana [L'illuminée] [1961-1967], descreve um corpo feminino sem cabeça e sem braço, cujo peito inchado é coberto com uma nuvem onde seu rosto deveria estar. O formulário se ilumina quando ligado.

A decisão de Szapocznikow de isolar elementos do corpo feminino e apresentá-los como bens utilitários foi ao mesmo tempo subversiva e mal humorada. Por um lado, essas esculturas recuperam a objetivação dos corpos das mulheres dos homens. Por outro lado, eles prejudicam a abordagem tradicionalmente heróica da escultura: "Ao transformar essas esculturas em objetos funcionais, ela questionou o heroísmo da escultura em um campo particularmente masculino", explica o curador chefe da Hepworth Wakefield, Andrew Bonacina.

Sua "Ventre-coussins", feita em 1968, enfatiza seu interesse na conexão entre o consumo de massa dos anos 1960 ea mercantilização da forma feminina. "Espero poder explorar profundamente o problema do módulo repetido, em contato direto com a produção industrial do módulo", escreveu ela em 1968. O texto acompanha numerosos moldes suaves e reprodutíveis que ela fez da voluptuosa barriga de um amigo.

Com a série "Sobremesas", ela tomou esses conceitos um passo adiante, injetando suas esculturas com mais sarcasmo. Ao colocar as partes do corpo feminino em bandejas de sobremesas, ela reconheceu a discrepância entre o desejo de seus pares masculinos de corpos de mulheres e sua rejeição simultânea de seu trabalho. Como observa Bonacina, essas peças apresentam algumas questões muito carregadas. "Se você não me quer em seus shows, e se eu colocar meu corpo no meu trabalho? Você quer meu trabalho agora? ", Ele diz, sugerindo a posição de Szapocznikow. "Ela tocou com um uso intervencionista de seu próprio gênero e sexualidade, e como isso pode se infiltrar no mundo da arte dominado pelos homens".

Algumas das esculturas de Szapocznikow levaram uma volta menos brincalhão e mais escura depois que ela foi confrontada com mais um trauma físico: um diagnóstico de câncer de mama em 1969. Em resposta, ela começou um grupo de trabalhos chamado "Tumeurs personnifiés (Tumors Personified)", pequeno, estranhamente em forma de massas impressas com traços faciais femininos que se assemelham aos seus. Estes dão lugar a uma série assombrante de 1972, "Herbiers (Herbarium)", na qual ela lançou várias superfícies (pernas, rostos) de seu filho e seu próprio corpo, depois as achatou, como se fosse uma flor seca e pressionada.

Mesmo no último ano de sua vida - ela caiu na doença no início de 1973, aos 47 anos - o senso de humor de Szapocznikow, a tenacidade ea imaginação expansiva não diminuíram. Apesar de seu interesse pela natureza efêmera da vida e pelo corpo humano, ela também acreditava no poder de permanência de sua obra: a habilidade de suas esculturas para solidificar seu próprio legado como artista e obter um retrato sincero das experiências corporais das mulheres na história de arte.

"Apesar de tudo, persisto em tentar consertar resina nos vestígios do nosso corpo", escreveu em 1972. "Estou convencido de que de todas as manifestações do efêmero, o corpo humano é o mais vulnerável, a única fonte de todos alegria, todo sofrimento e toda a verdade ".

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